ในช่วงศตวรรษที่ 20 มีการเพิ่มขึ้นอย่างมากในความหลากหลายของดนตรีที่ผู้คนสามารถเข้าถึงได้ ก่อนที่จะมีการประดิษฐ์ของตลาดมวลแผ่นเสียง (พัฒนาในปี 1892) และวิทยุกระจายเสียง (ครั้งแรกที่ทำในเชิงพาณิชย์แคลิฟอร์เนีย 1919-1920) คนส่วนใหญ่ฟังดนตรีที่สดดนตรีคลาสสิกคอนเสิร์ตหรือละครเพลงการแสดง; อย่างไม่เป็นทางการที่ห้องโถงเพลงหรือในผับและงานแสดงสินค้า ; ในเครื่องเล่นแผ่นเสียงยุคแรก ๆ(เทคโนโลยีที่คิดค้นในปี 1877 ซึ่งไม่มีการวางตลาดจำนวนมากจนถึงกลางทศวรรษที่ 1890); หรือโดยบุคคลที่แสดงดนตรีหรือร้องเพลงด้วยมือสมัครเล่นที่บ้านบางครั้งก็ใช้แผ่นเพลง. ความสามารถในการอ่านดนตรีหรือเล่นเครื่องดนตรีบางประเภทและดนตรีคลาสสิกมีแนวโน้มที่จะ จำกัด เฉพาะบุคคลระดับกลางและระดับสูงในขณะที่การร้องเพลงและการแสดงดนตรีพื้นบ้านและเพลงทำงานส่วนใหญ่ จำกัด อยู่เฉพาะคนชั้นแรงงาน ด้วยความพร้อมในตลาดจำนวนมากของแผ่นเสียงแผ่นเสียงและการออกอากาศทางวิทยุผู้ฟังสามารถซื้อการบันทึกหรือฟังทางวิทยุเพื่อบันทึกหรือถ่ายทอดสดเพลงและดนตรีหลากหลายประเภทจากทั่วโลก นี้ช่วยให้ช่วงกว้างมากของประชากรในการฟังการแสดงของคลาสสิกและเพลงยอดนิยมรวมทั้งซิมโฟนี่ , โอเปร่าและเพลงพื้นบ้านว่าพวกเขาจะไม่ปกติสดได้ยินทั้งจากการไม่สามารถที่จะจ่ายตั๋วสดคอนเสิร์ตหรือเพราะ เพลงดังกล่าวไม่ได้แสดงในภูมิภาคหรือระดับสังคมของพวกเขา Show
นักร้องและนักแต่งเพลงแจ๊สชาวอเมริกัน Billie Holidayในนิวยอร์กซิตี้ในปีพ. ศ. 2490 การบันทึกเสียงยังมีอิทธิพลสำคัญต่อการพัฒนาแนวเพลงยอดนิยมเนื่องจากทำให้การบันทึกเพลงและวงดนตรีมีราคาไม่แพงและมีการเผยแพร่อย่างกว้างขวางทั่วประเทศหรือแม้กระทั่งสำหรับศิลปินบางคนทั่วโลก การพัฒนาของการสืบพันธุ์ค่อนข้างแพงของเพลงผ่านการสืบทอดของรูปแบบรวมทั้งแผ่นเสียง , เทปขนาดกะทัดรัด , คอมแพคดิสก์ (แนะนำในปี 1983) และโดยปี 1990 กลางเสียงดิจิตอลบันทึกและการส่งหรือการออกอากาศของการบันทึกเสียงของการแสดงดนตรี ทางวิทยุการบันทึกวิดีโอหรือการแสดงสดทางโทรทัศน์และในปี 1990 การบันทึกเสียงและวิดีโอผ่านอินเทอร์เน็ตโดยใช้การแบ่งปันไฟล์ของการบันทึกเสียงดิจิทัลทำให้บุคคลจากชั้นเรียนทางเศรษฐกิจและสังคมที่หลากหลายสามารถเข้าถึงตัวเลือกที่หลากหลาย - การแสดงดนตรีที่มีคุณภาพโดยศิลปินจากทั่วโลก [1]การเปิดตัวการบันทึกแบบมัลติแทร็กในปี 1955 และการใช้การมิกซ์เพลงมีอิทธิพลอย่างมากต่อดนตรีป๊อปและร็อคเนื่องจากทำให้ผู้ผลิตแผ่นเสียงสามารถมิกซ์เพลงและเสียงร้องของเครื่องดนตรีหลายชั้นได้มากเกินไปทำให้เกิดเสียงใหม่ที่ไม่สามารถทำได้ ในการแสดงสด [2]การพัฒนาเทคโนโลยีการบันทึกเสียงและวิศวกรรมเสียงและความสามารถในการแก้ไขการบันทึกเหล่านี้ก่อให้เกิดดนตรีคลาสสิกประเภทใหม่ ได้แก่Musique concrète (1949) และacousmatic [3] (1955) โรงเรียนการประพันธ์เพลงอิเล็กทรอนิกส์ ในช่วงเวลาของ Beethoven และFelix Mendelssohnในศตวรรษที่ 19 วงออเคสตราประกอบด้วยแกนกลางของเครื่องดนตรีที่ค่อนข้างได้มาตรฐานซึ่งไม่ค่อยได้รับการแก้ไขมากนัก เมื่อเวลาผ่านไปและในขณะที่ยุคโรแมนติกได้เห็นการเปลี่ยนแปลงในการดัดแปลงที่เป็นที่ยอมรับกับนักแต่งเพลงเช่นBerliozและMahlerศตวรรษที่ 20 เห็นว่านักแต่งเพลงสามารถเลือกเครื่องดนตรีได้จริง แซกโซโฟนถูกนำมาใช้ในบางคะแนนวงออเคสตราศตวรรษที่ 20 เช่นวอห์นวิลเลียมส์ 'ซิมโฟนี่ครั้งที่ 6และ9และวิลเลียมวอลตัน ' s ฉลอง Belshazzar ของและผลงานอื่น ๆ อีกมากมายในฐานะสมาชิกของวงดนตรี ออร์เคสตราศตวรรษที่ยี่สิบทั่วไป ได้แก่ส่วนสตริง , woodwinds , ตราสารทองเหลือง , เคาะ , เปียโน , เซเลสเต , พิณ (s), [4]กับเครื่องมืออื่น ๆ เรียกว่าเป็นครั้งคราวเช่นกีตาร์ไฟฟ้า[5]และเบสไฟฟ้า [6] ศตวรรษที่ 20 ได้เห็นนวัตกรรมที่น่าทึ่งในรูปแบบและสไตล์ดนตรี คีตกวีและนักแต่งเพลงที่สำรวจรูปแบบใหม่และเสียงที่ท้าทายกฎยอมรับก่อนหน้านี้ในการฟังเพลงของช่วงก่อนหน้านี้เช่นการใช้คอร์ดเปลี่ยนแปลงและคอร์ดขยายในปี 1940 ยุคแจ๊ชแจ๊ส การพัฒนาแอมพลิฟายเออร์กีต้าร์ที่ทรงพลังเสียงดังและระบบเสริมกำลังเสียงในช่วงทศวรรษที่ 1960 และ 1970 อนุญาตให้วงดนตรีจัดคอนเสิร์ตขนาดใหญ่ซึ่งแม้แต่ผู้ที่มีตั๋วราคาแพงที่สุดก็สามารถฟังการแสดงได้ นักแต่งเพลงและนักแต่งเพลงได้ทดลองรูปแบบดนตรีใหม่ ๆ เช่นการผสมผสานแนวเพลง (เช่นการผสมผสานดนตรีแจ๊สและร็อคในช่วงปลายทศวรรษ 1960 เพื่อสร้างฟิวชั่นแจ๊ส ) รวมทั้งนักแต่งเพลงและนักดนตรีที่นำมาใช้ใหม่ไฟฟ้า , อิเล็กทรอนิกส์และเครื่องมือดิจิตอลและอุปกรณ์ดนตรี นักแต่งเพลง Igor Stravinskyวาดโดย Picasso สมัยใหม่ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 คีตกวีหลายคนรวมถึงRachmaninoff , Richard Strauss , Giacomo PucciniและEdward Elgarยังคงทำงานในรูปแบบและภาษาดนตรีที่มาจากศตวรรษที่ 19 อย่างไรก็ตามความทันสมัยในดนตรีมีความโดดเด่นและมีความสำคัญมากขึ้นเรื่อย ๆ ในบรรดานักประพันธ์สมัยใหม่ที่สำคัญที่สุดได้แก่Alexander Scriabin , Claude Debussyและนักแต่งเพลงยุคหลังWagnerianเช่นGustav MahlerและRichard Straussซึ่งทดลองเกี่ยวกับรูปแบบโทนเสียงและการเรียบเรียง [7] Busoni , สตรา , เบิรท์และSchrekerได้รับการยอมรับแล้วก่อน 1914 เป็นธรรมเนียมและอีฟส์ได้รับย้อนหลังรวมอยู่ในหมวดหมู่นี้สำหรับความท้าทายของเขาที่จะใช้โทน [7]นักแต่งเพลงเช่นRavel , MilhaudและGershwin ได้ผสมผสานสำนวนคลาสสิกและแจ๊สเข้าด้วยกัน [8] Neofolklorism และชาตินิยมในศตวรรษที่ 20 ความสนใจของนักแต่งเพลงต่อคติชนวิทยาได้รับคุณสมบัติใหม่: [9]
ตัวแทนที่โดดเด่นของนีโอชาวบ้านในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ที่มีบี Bartokต้นІ. สตราและเอส Prokofiev ปลายโรแมนติกและสมัยชาตินิยมก็พบว่ายังอยู่ในอังกฤษอเมริกาและเพลงละตินอเมริกันของศตวรรษที่ 20 ต้น[ ต้องการอ้างอิง ] นักแต่งเพลงเช่นRalph Vaughan Williams , Aaron Copland , Alberto Ginastera , Carlos Chávez , Silvestre RevueltasและHeitor Villa-Lobosใช้ธีมพื้นบ้านที่รวบรวมโดยตัวเองหรือคนอื่น ๆ ในการแต่งเพลงหลักหลาย ๆ เพลง Microtonalในช่วงต้นทศวรรษของศตวรรษที่ 20 นักแต่งเพลงเช่นJulián Carrillo , Mildred Couper , Alois Hába , Charles Ives , Erwin Schulhoff , Ivan Wyschnegradskyหันมาให้ความสนใจกับเสียงควอเตอร์ (24 ช่วงเวลาเท่ากันต่อคู่) และหน่วยงานอื่น ๆ ในช่วงกลางของศตวรรษที่นักประพันธ์เพลงเช่นแฮร์รี่ Partchและเบนจอห์นสตันสำรวจแค่น้ำเสียง ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่นักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นจ้าง microtonality รวมอีสลีย์แบลคจูเนียร์ , เวนดี้คาร์ลอ , อาเดรียนฟ็อกเกอร์ , เทอร์รี่ไรลีย์ , เอซร่าซิมส์ , Karlheinz Stockhausen , ลามอนเตยังและIannis Xenakis นีโอคลาสสิกแนวโน้มที่โดดเด่นในดนตรีที่แต่งขึ้นตั้งแต่ปี 2466 ถึง 2493 คือลัทธินีโอคลาสสิกซึ่งเป็นปฏิกิริยาต่อต้านท่าทางที่เกินจริงและความไร้รูปแบบของลัทธิจินตนิยมตอนปลายซึ่งทำให้รูปแบบที่สมดุลและกระบวนการเฉพาะที่มองเห็นได้ชัดเจนของรูปแบบก่อนหน้านี้ มีสามที่แตกต่างกัน "โรงเรียน" ซิสซึ่มที่เกี่ยวข้องกับการมีอิกอร์สตราวินสกี , Paul Hindemithและอาร์โนลเบิรท์ ความเห็นอกเห็นใจที่คล้ายคลึงกันในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษโดยทั่วไปมักจะอยู่ภายใต้หัวข้อ " ลัทธิหลังสมัยใหม่ " [10] ดนตรีทดลองประเพณีการแต่งเพลงเกิดขึ้นในกลางศตวรรษที่ 20 โดยเฉพาะในอเมริกาเหนือเรียกว่า "ดนตรีทดลอง" เลขชี้กำลังที่มีชื่อเสียงและมีอิทธิพลมากที่สุดคือจอห์นเคจ (1912–1992) [11]อ้างอิงจาก Cage "การทดลองเป็นการกระทำที่ไม่ได้คาดการณ์ล่วงหน้า", [12]และเขาสนใจเป็นพิเศษในงานที่เสร็จสมบูรณ์ซึ่งดำเนินการที่ไม่สามารถคาดเดาได้ [13]นักแต่งเพลงบางคนที่มีอิทธิพลต่อJohn Cageได้แก่Erik Satie (2409-2568), Arnold Schoenberg (1874–1951) และHenry Dixon Cowell (2440-2508) ความเรียบง่ายบล็อกเพลงที่เกี่ยวข้องกับความเรียบง่ายของวัสดุและการทำซ้ำอย่างเข้มข้นของแรงจูงใจที่เริ่มในช่วงปลายปี 1950 ที่มีการแต่งเทอร์รี่ไรลีย์ , สตีฟรีและฟิลิปแก้ว ต่อมา minimalism ถูกปรับให้เข้ากับการตั้งค่าที่ไพเราะแบบดั้งเดิมมากขึ้นโดยนักประพันธ์เพลงรวมทั้งรีคแก้วและจอห์นอดัมส์ Minimalism ได้รับการฝึกฝนอย่างหนักในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษและสืบทอดมาจนถึงศตวรรษที่ 21 เช่นเดียวกับนักแต่งเพลงเช่นArvo Pärt , Henryk GóreckiและJohn Tavener ที่ทำงานในรูปแบบมินิมัลลิสม์อันศักดิ์สิทธิ์ สำหรับตัวอย่างเพิ่มเติมโปรดดูที่รายการของคีตกวีเอกศตวรรษที่ 20 ดนตรีคลาสสิกร่วมสมัยดนตรีคลาสสิกร่วมสมัยสามารถเข้าใจได้ว่าเป็นช่วงเวลาที่เริ่มต้นในปี 1970 ในช่วงกลางถึงต้นปี 1990 ซึ่งรวมถึงสมัย , หลังสมัยใหม่ , NeoRomanticและเพลงพหุ [14]อย่างไรก็ตามคำนี้อาจใช้ในความหมายที่กว้างขึ้นเพื่ออ้างถึงรูปแบบดนตรีทั้งหมดหลังปีพ. ศ. 2488 [15] นักแต่งเพลงหลายคนที่ทำงานในช่วงต้นศตวรรษที่ 21 เป็นบุคคลสำคัญในศตวรรษที่ 20 นักแต่งเพลงรุ่นน้องบางคนเช่นOliver Knussen , Wolfgang Rihm , Georg Friedrich Haas , Judith Weir , George Benson , Richard Barrett , Simon Bainbridge , John Luther Adams , Toshio Hosokawa , Bright Sheng , Kaija Saariaho , Tan Dun , Magnus Lindberg , Philippe Manoury , Olga Neuwirth , Rebecca Saunders , David Lang , Hanspeter Kyburz , James MacMillan , Mark-Anthony Turnage , Thomas Adès , Marc-André Dalbavie , Unsuk Chin , Claus-Steffen MahnkopfและMichael Daughertyไม่ได้มีชื่อเสียงจนกระทั่งช่วงปลายศตวรรษที่ 20 สำหรับตัวอย่างเพิ่มเติมโปรดดูที่รายการของคีตกวีเอกในศตวรรษที่ 21 Karlheinz Stockhausenในสตูดิโอเพลงอิเล็กทรอนิกส์ของ WDR , Cologne ในปี 1991 เป็นเวลาหลายศตวรรษที่ดนตรีบรรเลงได้ถูกสร้างขึ้นโดยการร้องเพลงหรือใช้เทคโนโลยีดนตรีเชิงกลเช่นการวาดคันธนูข้ามสายที่พันอยู่บนเครื่องดนตรีกลวงหรือดึงไส้ตึงหรือสายโลหะ ( เครื่องสาย ) การบีบอากาศที่สั่นสะเทือน ( ลมไม้และทองเหลือง ) หรือตีบางสิ่งบางอย่างเพื่อให้เกิดเสียงเป็นจังหวะ ( เครื่องเคาะจังหวะ ) ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 มีการประดิษฐ์อุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์ที่สามารถสร้างเสียงด้วยระบบอิเล็กทรอนิกส์โดยไม่ต้องมีแหล่งกำเนิดการสั่นสะเทือนทางกล ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1930 นักแต่งเพลงเช่นOlivier Messiaen ได้รวมเอาเครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์เข้ากับการแสดงสด ในขณะที่เทคโนโลยีการบันทึกเสียงมักเกี่ยวข้องกับบทบาทสำคัญในการเปิดใช้งานการสร้างและการตลาดจำนวนมากของเพลงยอดนิยมแต่เทคโนโลยีการบันทึกเสียงไฟฟ้าและอิเล็กทรอนิกส์แบบใหม่ก็ถูกนำมาใช้ในการผลิตดนตรีศิลปะเช่นกัน คอนกรีตมิวสิก (ฝรั่งเศส:“เพลงที่เป็นรูปธรรม”) เกี่ยวกับการพัฒนา 1948 โดยปิแอร์ Schaeffer และเพื่อนร่วมงานของเขาเป็นเทคนิคการทดลองโดยใช้เสียงที่บันทึกไว้เป็นวัตถุดิบ [16] ในช่วงหลายปีหลังสงครามโลกครั้งที่สองนักแต่งเพลงบางคนหันมาใช้เทคโนโลยีอิเล็กทรอนิกส์ที่กำลังพัฒนาอย่างรวดเร็ว ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ได้รับการกอดโดยคีตกวีเช่นเวนดี้คาร์ลอ , Edgard Varèse , Karlheinz Stockhausen , มิลตันหน้าเลือด , ปิแอร์เลซ , บรูโนเมเดอร์นา , เฮนรี่พุสเซอร์ , คาเรลโก์เวาิร์ต , เอิร์นส์ Krenek , ลุยจิโนโนะ , ลูเซียโนเบริโอ , เฮอร์เบิร์ตบรูนและIannis Xenakis ในปี 1950 อุตสาหกรรมภาพยนตร์ก็เริ่มที่จะทำให้การใช้งานที่กว้างขวางของอิเล็กทรอนิกส์เพลงประกอบ กลุ่มหินที่สำคัญที่อยู่ในช่วงเริ่มต้นของการสังเคราะห์ ได้แก่ที่มู้ดดี้บลู , The Beatles , [17] มังกีส์ , [18]และประตู [19] ดนตรีพื้นบ้านในความหมายดั้งเดิมของคำที่ประกาศเกียรติคุณในศตวรรษที่ 18 โดยโยฮันน์กอตต์ฟรีดเฮอร์เดอร์เป็นดนตรีที่เกิดจากการประพันธ์ร่วมกันและมีศักดิ์ศรีแม้ว่าในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 แนวคิดเรื่อง 'ชาวบ้าน' ได้กลายเป็นคำพ้องความหมายของ 'ชาติ 'ซึ่งมักถูกระบุว่าเป็นชาวนาและช่างฝีมือในชนบทเช่นเดียวกับในขบวนการ Merrie Englandและการฟื้นฟูภาษาเกลิกของชาวไอริชและสก็อตแลนด์ในช่วงทศวรรษที่ 1880 [20]โดยปกติแล้วดนตรีพื้นบ้านจะใช้ร่วมกันและแสดงโดยชุมชนทั้งหมด (ไม่ใช่โดยผู้เชี่ยวชาญหรือนักแสดงมืออาชีพระดับพิเศษอาจไม่รวมความคิดของมือสมัครเล่น) และได้รับการถ่ายทอดโดยปากต่อปาก ( ประเพณีปากเปล่า ) [21] นอกจากนี้ดนตรีพื้นบ้านยังถูกยืมมาใช้โดยนักประพันธ์เพลงในแนวเพลงอื่น ๆ ผลงานบางชิ้นของAaron Coplandดึงเอาดนตรีพื้นบ้านของอเมริกันมาใช้อย่างชัดเจน [22] งานที่สำคัญในการลงทะเบียนเพลงดั้งเดิมของภูมิภาคบอลข่านคือของBélaBartókเนื่องจากอาจเป็นนักแต่งเพลงคนแรกที่สนใจในการบันทึกไฟล์เสียงและวิเคราะห์จากมุมมองของชาติพันธุ์วิทยา [23] เพลง Bluegrassเพลงบลูแกรสเป็นรูปแบบหนึ่งของเพลงรากศัพท์ของอเมริกาและเป็นแนวเพลงคันทรีที่เกี่ยวข้อง ได้รับอิทธิพลจากเพลงของสหรัฐ , [24] Bluegrass มีรากผสมในไอริช , สก็อต , เวลส์และภาษาอังกฤษ[25]เพลงแบบดั้งเดิมและก็ยังมีอิทธิพลต่อดนตรีของชาวแอฟริ[26]การรวมตัวกันของดนตรีแจ๊สองค์ประกอบ ผู้ตั้งถิ่นฐานจากสหราชอาณาจักรและไอร์แลนด์เดินทางมาถึงแอปปาลาเชียในช่วงศตวรรษที่ 18 และนำประเพณีดนตรีในบ้านเกิดของพวกเขามาด้วย ประเพณีเหล่านี้ประกอบด้วยเพลงบัลลาดของอังกฤษและสก็อตเป็นหลักซึ่งเป็นการบรรยายที่ไม่มีผู้ติดตามเป็นหลักและดนตรีเต้นรำเช่นวงล้อไอริชซึ่งมาพร้อมกับเสียงซอ [27]เพลงบลูแกรสส์รุ่นเก่าจำนวนมากมาจากเกาะอังกฤษโดยตรง เพลงบัลลาดแนวแอปพาเลเชียนบลูแกรสหลายเพลงเช่น " Pretty Saro ", " Barbara Allen ", " Cuckoo Bird " และ " House Carpenter " มาจากอังกฤษและรักษาเพลงบัลลาดแบบอังกฤษทั้งไพเราะและไพเราะ [28]คนอื่น ๆ เช่นTwa Sistersก็มาจากอังกฤษ ; อย่างไรก็ตามเนื้อเพลงเกี่ยวกับไอร์แลนด์ [29]เพลงซอบลูแกรสบางเพลงที่ได้รับความนิยมในแอปพาเลเชียเช่น "Leather Britches" และ " Pretty Polly " มีรากศัพท์จากสก็อต [30]ปรับแต่งการเต้นคัมเบอร์แลนด์ช่องว่างอาจจะมาจากการปรับแต่งที่มาพร้อมกับสก็อต Ballad บอนจอร์จแคมป์เบล [31]เพลงอื่น ๆ มีชื่อแตกต่างกันไปตามสถานที่ต่างๆ; ตัวอย่างเช่นในอังกฤษมีเพลงบัลลาดเก่าแก่ที่รู้จักกันในชื่อ " A Brisk Young Sailor Courted Me " แต่เพลงเดียวกันในบลูแกรสในอเมริกาเหนือเรียกว่า "ฉันอยากให้ลูกเกิด" [32] ในบลูแกรสเช่นเดียวกับในบางรูปแบบของดนตรีแจ๊ส, หนึ่งหรือมากกว่าตราสารแต่ละจะใช้เวลาการเปิดเล่นเพลงและทันควันรอบขณะที่คนอื่นดำเนินการประกอบ ; นี้จะตรึงตราโดยเฉพาะในเพลงที่เรียกว่าความผันผวน สิ่งนี้ตรงกันข้ามกับดนตรีสมัยก่อนซึ่งเครื่องดนตรีทั้งหมดเล่นเมโลดี้ด้วยกันหรือเครื่องดนตรีชิ้นเดียวนำหน้าตลอดในขณะที่เครื่องดนตรีอื่น ๆ ให้ดนตรีประกอบ ความผันผวนมักจะมีลักษณะอย่างรวดเร็วเทมโพสและผิดปกติชำนาญประโยชน์และบางครั้งโดยที่ซับซ้อนการเปลี่ยนแปลงคอร์ด [33] บลูแกรสส์มีสามประเภทย่อยที่สำคัญและหนึ่งประเภทย่อยที่ไม่เป็นทางการ บลูแกรสดั้งเดิมมีนักดนตรีเล่นเพลงพื้นบ้านเพลงด้วยง่ายคอร์ดแบบดั้งเดิมและการใช้เครื่องมือเพียงอะคูสติกด้วยตัวอย่างเป็นบิลมอนโร กลุ่มโปรเกรสซีฟบลูแกรสส์อาจใช้เครื่องดนตรีไฟฟ้าและนำเข้าเพลงจากแนวเพลงอื่น ๆ โดยเฉพาะร็อกแอนด์โรล ตัวอย่าง ได้แก่คาดิลแล SkyและBearfoot " บลูแกรสพระกิตติคุณ " ได้กลายเป็นร็อกที่สามซึ่งใช้คริสเตียนเนื้อเพลง, สามเต็มไปด้วยอารมณ์หรือสี่ส่วนความสามัคคีร้องเพลงและบางครั้งการเล่นของinstrumentals การพัฒนาที่ใหม่กว่าในโลกบลูแกรสส์คือบลูแกรสแบบนีโอดั้งเดิม ตัวอย่างโดยวงดนตรีเช่นThe GrascalsและMountain Heartวงดนตรีจากประเภทย่อยนี้มักมีนักร้องนำมากกว่าหนึ่งคน เพลง Bluegrass ได้รับความสนใจจากผู้ติดตามทั่วโลก Bill Monroe ผู้บุกเบิกบลูแกรสส์กำหนดแนวเพลงเป็น: " ปี่สก็อต และฟัดลินเวลาโอเล - ไทม์" มันคือMethodistและHoliness and Baptistมันคือเพลงบลูส์และแจ๊สและมีเสียงที่โดดเด่นสูง " [34] ในช่วงปีแรก ๆ ของศตวรรษความกลมกลืนของสีของWagnerian ถูกขยายออกไปโดยนักแต่งเพลงโอเปร่าเช่นRichard Strauss ( Salome , 1905; Elektra , 1906–1908; Der Rosenkavalier , 1910; Ariadne auf Naxos , 1912; Die Frau ohne Schatten , 1917), Claude Debussy ( Pelléas et Mélisande , 1902), Giacomo Puccini ( Madama Butterfly , 1904; La fanciulla del West , 1910; Il trittico , 1918), Ferruccio Busoni ( Doktor Faust , 1916, มรณกรรมโดยPhilipp Jarnachนักเรียนของเขา), BélaBartók ( ปราสาท Bluebeard , 1911-17), Leos Janáček ( Jenůfa , 1904; Osud , 1907; Kát´a Kabanová , 1919-1921) และHans Pfitzner ( Palestrina , 1917) ส่วนขยายเพิ่มเติมของภาษาสีในที่สุดก็แตกด้วยวรรณยุกต์และย้ายไปสู่รูปแบบของดนตรี atonalในโอเปร่าตอนต้นของArnold Schoenberg ( Erwartung , 1909; Die glückliche Hand , 1912) และAlban Bergนักเรียนของเขา( Wozzeck , 1925) ซึ่งทั้งสองคน นำมาใช้เทคนิคสิบสองเสียงสำหรับการแสดงโอเปร่าของพวกเขาในภายหลัง: เบิรท์โมเสสและอารอนและภูเขาน้ำแข็งลูลู่ ทั้งน้ำเน่าเหล่านี้เสร็จสมบูรณ์ในช่วงชีวิตของนักประพันธ์เพลงของพวกเขาอย่างไรเพื่อให้โอเปร่าแรกเสร็จสมบูรณ์โดยใช้เทคนิคที่สิบสองโทนสีคือคาร์ลวี (1938) โดยเอิร์นส์ Krenek [35] โอเปร่าที่สำคัญที่สุดบางเรื่องในวัยยี่สิบและสามสิบประกอบด้วยDmitri Shostakovichชาวรัสเซีย( The Nose , 1928 และLedi Makbet Mtsenkovo Uyezda [Lady Macbeth of the Mtsensk District], 1932) [36] ในขณะเดียวกันลัทธินีโอคลาสสิกที่กลายเป็นแฟชั่นในช่วงทศวรรษที่ 1920 แสดงโดยละครโอเปร่า Mavraของ Stravinsky (1922) และ Opera-oratorio Oedipus Rex (1927) ต่อมาในศตวรรษที่แล้วโอเปร่าเรื่องสุดท้ายของเขาThe Rake's Progress (1951) ถือเป็นการสิ้นสุดช่วงนีโอคลาสสิกของการประพันธ์ของเขา โอเปร่าอื่น ๆ ของช่วงเวลานี้แต่งโดยระบุว่าเป็น neoclassicists ได้แก่พอล Hindemith 's ธิสเดอร์เลอร์ (1938), Sergei Prokofiev ' s Voina Y เมียร์ (สงครามและสันติภาพ, 1941-1943) Bohuslav Martinu 's Julietta aneb snár (1937) และฟรานซิสปูเลงก์ 's Les mamelles เด Tiresias (1945) [ ต้องการอ้างอิง ] ในช่วงอายุหกสิบเศษโอเปร่าBernd Alois Zimmermannเรื่องDie Soldaten (1965) มีผลกระทบอย่างมาก [ ต้องการคำชี้แจง ] หนึ่งในโอเปรา[ ต้องการคำชี้แจง ] ที่เฉพาะเจาะจงที่สุดของยุคเจ็ดสิบคือLe Grand MacabreโดยGyörgy Ligeti เกี่ยวข้องกับเรื่องของความตายผ่านการประชดและจับแพะชนแกะ ผู้ประพันธ์โอเปร่าหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 ที่ได้รับการยอมรับมากที่สุดคือชาวอังกฤษBenjamin Britten ( Peter Grimes , 1945; The Rape of Lucretia , 1946; Albert Herring , 1947; Billy Budd , 1951; Gloriana , 1953; The Turn of the Screw , 1954 ; A Midsummer Night's Dream , 1960; Owen Wingrave , 1970; Death in Venice , 1973) [37] [ ล้มเหลวในการตรวจสอบ ] ความสัมพันธ์ (โดยเฉพาะอย่างยิ่งมูลค่าสัมพัทธ์) ของดนตรีคลาสสิกและดนตรียอดนิยมเป็นคำถามที่ถกเถียงกัน Richard Middletonเขียน:
บลูส์นักดนตรีบลูส์เช่นน้ำโคลนนำเดลต้าบลูส์ , ส่วนใหญ่เล่นด้วยเครื่องดนตรีอะคูสติกจากพื้นที่สามเหลี่ยมปากแม่น้ำมิสซิสซิปปีเหนือไปยังเมืองเช่นชิคาโกที่พวกเขาใช้เครื่องมือไฟฟ้ามากขึ้นในรูปแบบของชิคาโกบลูส์ [39] เพลงคันทรี่เพลงคันเคยรู้จักประเทศและดนตรีตะวันตกเป็นที่นิยมดนตรีรูปแบบการพัฒนาในภาคใต้ของสหรัฐอเมริกาที่มีรากในแบบดั้งเดิมดนตรีพื้นบ้าน , spiritualsและบลูส์ [40] ดิสโก้ดิสโก้เป็นจังหวะรูปแบบของเพลงเต้นรำที่เกิดขึ้นในช่วงต้นปี 1970 ส่วนใหญ่มาจากความกลัว , ซัลซ่าและวิญญาณเพลงที่นิยมเดิมที่มีพฤติกรรมรักร่วมเพศและแอฟริกันอเมริกันผู้ชมในเมืองของสหรัฐที่มีขนาดใหญ่และได้ชื่อมาจากdiscothèqueคำภาษาฝรั่งเศส . [41] ฮิพฮอพเพลงฮิปฮอปหรือที่เรียกว่าเพลงแร็พหรือเพลงแร็พเป็นแนวเพลงที่เกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาในปี 1970 ซึ่งประกอบด้วยองค์ประกอบหลัก 2 ส่วน ได้แก่ การแร็ป (MCing) และการดีเจ (การผสมเสียงและการขูดขีด) แจ๊สแจ๊สมีการพัฒนาในหลายหมวดหมู่ย่อย ๆ บางครั้งตัดกันรวมทั้งเรียบแจ๊ส , แจ๊ช , สวิง , ฟิวชั่น , แจ๊ซและแจ๊สฟรี แจ๊สเกิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 จากการผสมผสานระหว่าง Blues, Ragtime, Brass Band Music, Hymns and Spirituals, Minstrel music และ work songs [42] เพลงยุคใหม่ส่วนใหญ่เป็นเครื่องดนตรีที่สร้างเสียงของธรรมชาติที่ผ่อนคลายโรแมนติกเพิ่มอารมณ์หรือผ่อนคลายโดยทั่วไป [ ต้องการอ้างอิง ] สตีเว่น Halpern 's สเปกตรัมสวีทได้รับการปล่อยตัวในปี 1975 จะให้เครดิตโดยทั่วไปว่าเป็นอัลบั้มที่เริ่มขบวนการนิวเอจ [43] ลายลายเส้นซึ่งปรากฏครั้งแรกในปรากในปี พ.ศ. 2380 ยังคงเป็นรูปแบบดนตรีเต้นรำที่ได้รับความนิยมจนถึงศตวรรษที่ 20 โดยเฉพาะในเชโกสโลวะเกียโปแลนด์และพื้นที่ของสหรัฐอเมริกาที่มีประชากรเชื้อสายยุโรปกลางจำนวนมาก ตัวอย่างในศตวรรษที่ 20 ที่รู้จักกันดีคือJaromír Vejvoda ’s Modřanská polka (1927) ซึ่งเป็นที่นิยมในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 2 ในเชโกสโลวะเกียในชื่อ "Škodalásky" ("A Waste of Love") ในเยอรมนีในชื่อRosamunde-Polkaและในบรรดากองทัพพันธมิตรในชื่อBeer Barrel Polka (เป็นเพลงที่รู้จักกันในชื่อ "Roll out the Barrel") ในสหรัฐอเมริกา "สไตล์ตะวันออก" ลายทางในเมืองของโปแลนด์ยังคงได้รับความนิยมจนถึงประมาณปีพ. ศ. 2508 เพลง Polka ได้รับความนิยมในชิคาโกในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 หลังจากที่วอลเตอร์ 'Li'l Wally' Wallace Jagiello ได้สร้างลาย " honky " โดยการผสมผสานภาษาโปแลนด์ - ลายทางชนบทของอเมริกาที่มีองค์ประกอบของชาวโปแลนด์และคราโคเวียค ต่อมารูปแบบที่ได้รับอิทธิพลจากหินเรียกว่า "dyno" polka [44] ร็อกแอนด์โรลร็อกแอนด์โรลพัฒนามาจากรูปแบบดนตรีก่อนหน้านี้รวมถึงจังหวะและบลูส์ซึ่งก่อนหน้านี้เรียกว่าเพลงแข่งและเพลงคันทรี [45]ดูละครเพลงร็อคและร็อคโอเปร่าด้วย ยุคศตวรรษที่ 20 เกิดดนตรีประเภทใดยุคศตวรรษที่ 20 (Modren Period) ค.ศ. 1900 – ปัจจุบัน รูปแบบของดนตรียุคนี้มีการผสมวงรูปแบบใหม่ขึ้น ซึ่งมีการนำเสียงจากอิเล็กทรอนิกส์มาใช้เป็นเครื่องดนตรีด้วยและในยุคนี้เริ่มมีวงดนตรีผสมผสานรูปแบบใหม่ ซึ่งเป็นรูปแบบวงดนตรีที่ผสมผสาน แอฟริกา ตะวันตก อเมริกา ลัยุโรป ที่เรียกกันว่าดนตรีแจ๊ส ยุคนี้การบรรเลงจะเน้นที่รูปแบบ ...
อะไรคือการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ของดนตรีในศตวรรษที่ 20ดนตรีในศตวรรษที่ 20 นี้ไม่อาจที่จะคาดคะเนได้มากนัก เนื่องจากมีการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วตามความเจริญก้าวหน้าทางด้าน เทคโนโลยีการเลื่อนไหลทางวัฒนธรรม คนในโลกเริ่มใกล้ชิดกันมากขึ้น (Globalization) โดยใช้เครือข่ายคอมพิวเตอร์ หรืออินเตอร์เน็ต (Internet) ในส่วนขององค์ประกอบทางดนตรีในศตวรรษนี้มีความซับซ้อนมากขึ้นมาตรฐานของ ...
เครื่องดนตรียุคศตวรรษที่ 20 มีอะไรบ้างดนตรียุคศตวรรษที่ 20. Phase 2. เครื่องดนตรี. แบ่งออกเป็น 4 ประเภท - 1. ... . เครื่องดนตรี - 2.เครื่องเป่าลมไม้ - Woodwind ได้แก่ ฟลุ้ต พิโคโล คลาริเน็ต โอโบ บาสซูน อิงลิชฮอร์น แซ็กโซโฟน รีคอร์เดอร์ แพนไปพ์ ปี่สกอต ออร์แกน(แบบดั้งเดิม) หีบเพลงปาก. เหตุการณ์ที่เกิดขึ้น ... . คีตกวี ... . อาร์โนลด์ โชนเบิร์ก ... . เครื่องดนตรี ... . เบลา บาร์ตอค. The Twentieth Century มีความหมายในสมัยใดยุคบาโรก (Baroque period) ยุคศตวรรษที่20 (The Twentieth Century period)
|
องค์ประกอบทางดนตรีในยุคศตวรรษที่ 20 เป็นอย่างไร
กระทู้ที่เกี่ยวข้อง
ลิขสิทธิ์ © 2024 moicapnhap Inc.
